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圖/由受訪者提供及網上圖片

以文本為創作核心,演員、導演、設計師等各部門分頭創作,再將製成品在劇院匯合的製作模式,到底是否劇場創作的唯一方法?對部份劇場創作人而言, Scenography(舞台美學)是另一種創作方式和美學觀念。或許有不少讀者會誤將 Scenography 等同於佈景設計或美術指導。今回我們就透過劇場空間創作監督、曾留學荷蘭並完成 Scenography 碩士學位的溫迪倫 (Bee Wan) ,讓讀者跟我們一起重新思考有關劇場的創作。

甚麼是“Scenography”?

身為英國資深 Scenographer 、導演及學者的 Pamela Howard 在她的著作 “What is Scenography?” 中,為 “Scenography” 下了一個定義: Scenography 是在一個作品中,透過空間、文本、研究、美術、表演者、導演及觀眾所作的無縫配合。 (Scenography is the seamless synthesis of space, text, research, art, actors, directors and spectators that contributes to an original creation.) (有興趣的讀者可細閱她於書中怎樣逐一闡述每項元素跟創作的關係。)
在香港, “Scenography” 一般被翻譯成「舞台美學」,然而 Bee Wan 對此翻譯卻有保留:「我們可嘗試從字面理解,以 “Photography” (攝影)為例, “Photo” 的意思是光, “Graph” 則是去寫和紀錄,因此 “Photography” 就是用光影去創作和紀錄的技藝。 “Sceno” 是場景 (Scene) ,亦指空間。因此, “Scenography” 就是在這個演出空間的創作。這個空間包含了甚麼元素?演員、台位、燈光、服裝、聲音、氣味等等,基本上可以說是任何東西。」

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Pamela Howard

舞台美學的由來

從西方戲劇發展的角度來看, Bee Wan 指 Scenography (舞台美學)這概念可以追溯至古希臘時期:「四千年前雖然未必有職業劇團,但地中海一帶已經出現不少露天劇場,每逢節慶都會舉行演出。他們將音樂、舞蹈、詩歌、故事等元素放在一起,變成有系統和具規模的演出。負責製作演出的都是些富有學問的人,如亞里士多德等。他們具有文化修養,會寫詩和音樂。由此推論,他們同時負責舞台上的佈景、道具、面具、歌詠團的安排等等,功能上就如今天的導演,或更貼切的形容是『戲班班主』。最早期的『舞台美學師』 (Scenographer) 其實就是那些製作演出的人,他們身兼多職,由詩歌、音樂、繪畫到行政,他們也從事佈景,甚至劇院的建築。當然一個人完成不了所有東西,因此亦會找相關人士來合作。」

專業化的出現

社會、科技與價值觀的改變大大影響了戲劇的發展,使演出製作走向部門化和專業化:「十五世紀在意大利出現了第一個劇院,令演出首次變成在室內進行,同時亦衍生出不同部門來。當日首先要克服的,是光線不足的問題,於是便出現了專責照明的部門,即是其後發展出來的燈光設計。露天劇場的聲學經驗亦需要改善以應用在劇院內,所以亦發展成音響設計。佈景、服裝等所有東西,都因科技發展而變成可以做到更多效果。四千年前由一個『班主』應付的東西,慢慢變成需要多個『部門』去處理。當此等工作變得愈來愈專業的時候,就不可能由一個人兼顧,舞台美學亦由一個人的事變成一個『小隊』的事。每個部門的分工亦很不同,排練成為了導演和演員的工作,文本由編劇負責,再有作曲、設計師、舞台監督等。 Scenography (舞台美學)的原意跟現時的解釋有所出入,這是由於是時代的演變。」

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《蛆》劇場空間製作

回歸基本

話說回來,這個四千年前的概念,怎麼近年又會多了人提倡? Bee Wan 說這跟上世紀七十年代的後現代劇場及小劇場運動有關:「自十九世紀末工業革命影響所及,急速的經濟發展使人對物質及娛樂的需求增加了,同時亦催生了百老匯、倫敦西區及世界各地的表演事業來。物極必反,當太多專業化的製作出現,挑戰現代主義中的合理、實用、整齊等概念的『後現代主義』亦隨之出現。香港在八十年代開始,文化中心及演藝學院相繼投入運作,演出製作及劇團的規模愈來愈大。到了九十年代,再多了一批中小型藝團。正當觀眾漸漸習慣了欣賞大型佈景、創作人習慣了專門化的排練